ESTRUCTURA DE LA OBRA DRAMÁTICA Y ESCUELAS TEATRALES

LICEO DARÍO E. SALAS Nivel: 2° año medio.
Dpto. De Lengua Castellana y Comunicación. Unidad 2: Drama
Profesor Daniel Correa Guzmán. (Tiempo total de la unidad: 52 Hrs. Pedagógicas)

ESTRUCTURA INTERNA DE LA OBRA DRAMÁTICA
(Guía de estudio)

El elemento característico de la obra dramática es el diálogo, es a través de los diálogos entre los personajes nos enterarmos del argumento. (A diferencia del género narrativo, salvo en casos excepcionales, aquí no existe un narrador).
El conflicto, es fundamental en toda obra dramática, pues en su estructura siempre se enfrentan dos fuerzas, las que están representadas en uno o varios personajes. El conflicto se produce porque cada una de estas fuerzas tiene un objetivo y para cumplirlo debe anular a la otra. El conflicto puede resolverse de tres maneras: una de las fuerzas gana, ambas se destruyen o llegan a un acuerdo (generalmente en obras infantiles y educativas).

El transcurso de la obra dramática siempre va desde un pun punto A hasta un punto B. El punto A es el comienzo y nos muestra un orden determinado del mundo creado, a través del desarrollo de la obra este mundo va evolucionando (cambiando) hasta terminar en un orden totalmente distinto en el punto B. (1)

Las instancias dramáticas son las siguientes:

A> PRESENTACIÓN | DESARROLLO | CLÍMAX | DESENLACE >B

En la Presentación el público se entera de quiénes son los poersonajes, sus relaciones, su nivel social etc. También de cual es el objetivo de cada uno y de cuales son las fuerzas que se enfrentarán, cuando se presenta el conflicto termina la presentación.

En el Desarrollo, establecidas ya las fuerzas en conflicto, el público aprecia las estrategias que cada contrincante realizará para lograr su objetivo y vencer a su oponente. Este enfrentamiento irá aumentando progresivamente en intensidad, hasta llegar a un punto en que el enfrentamiento directo y final es inevitable. Este momento es el CLÍMAX y da fin al desarrollo.

El desenlace nos mostrará cómo se resuelve el conflicto y el nuevo orden en que queda el mundo creado.
(Existen algunas obras que cuentan con una instancia extra llamada epílogo, destinada a mostrar brevemente como siguió la vida de los personajes después de las peripecias vividas).
(1)Este esquema no se cumple en el teatro de Eugenio Ionesco, llamado erróneamente “Teatro del absurdo”, estas obras son circulares, vuelven al punto A.

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Divisiones formales de la obra dramáticas

La obra dramática se divide en escenas, actos y cuadros.

Escena: Es la división menor de la obra y está delimitada por la entrada o salida de un personaje del escenario.

Acto: Corresponden a capítulos de la obra, a través de ellos se va desarrollando la acción. En la Estructura clásica la obra consta de tres actos, donde el primero corresponde a la presentación, el segundo al desarrollo y el tercero al desenlace.

Cuadro: Corresponde al lugar donde ocurre la acción, por ejemplo el comedor de una casa. Si luego la acción ocurre en una plaza, entonces habrá un segundo cuadro. Por lo tanto el cambio de cuadro implica cambio de escenografía.

Los personajes

Existen personajes principales, segundarios y extras.
Protagonista(2): Es un personaje principal, pues él lleva la acción y es parte integral del conflicto. El Antagonista también es un personaje principal, pues es quien se opone y lucha contra el protagonista.
Los personajes segundarios, son los que apoyan a una u otra de las fuerzas en conflicto, aunque no llevan la acción, su participación puede ser muy importante en la resolución del conflicto.
Los extras o comparsas cumplen funciones accesorias, como el funcionario que entrga una carta, la mucama que sirve el café, etc.

El teatro del absurdo

El Teatro del Absurdo es un  término empleado por el crítico Martin Esslin en 1962 para clasificar a ciertos dramaturgos que escribían durante la década de 1950, principalmente franceses, cuyo trabajo se considera como una reacción contra los conceptos tradicionales del teatro occidental.
El término, que se acuña como alternativa al de anti-théâtre o nouveau théâtre, ha pasado ya a designar sobre todo el teatro de Samuel Beckett, Eugène Ionesco, Fernando Arrabal, las primeras obras de Arthur Adamov y Jean Genet.
Se considera creador de este estilo a Eugene Ionesco, rumano (1909-1994), quien nunca aceptó que a su teatro se le denominara “del absurdo”.
La estructura de este tipo de obras no es lineal, no va de un punto A a un B, sino circular, vuelve al punto A. Plantea básicamente la incomunicación humana en la sociedad moderna y el sinsentido de la vida. Destaca en este estilo el chileno Jorge Diaz.
(2) En griego el término Agonía significa lucha, combate. El protagonista encabeza la lucha.

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Algunas de las obras más representativas del estilo son:

La cantante calva. (Eugene Ionesco)
Esperando a Godot (Samuel Beckett)
Las criadas (Jean Genet)
El cepillo de dientes (Jorge Díaz)

Escena de “La cantante calva”

OTRAS MANIFESTACIONES TEATRALES A TRAVÉS DE LA HISTORIA

Existen muchas manifestaciones teatrales a las que se ha llamado géneros menores, a continuación mencionaremos algunos:

Auto Sacramental:
Un auto sacramental es una pieza teatral religiosa alegórica de uno o varios actos y de tema preferentemente eucarístico el día delCorpus entre los siglos XVI y XVIII, hasta la prohibición del género en 1765, por lo general con gran aparato escenográfico. Representaciones de episodios bíblicos, misterios de la religión o conflictos de carácter moral y teológico. Inicialmente representados en los templos o pórticos de las iglesias; el más antiguo es el denominado Auto de los Reyes Magos. Después del Concilio de Trento, numerosos autores, especialmente del Siglo de Oro español, escribieron autos destinados a consolidar el ideario de la Contrarreforma, se destacan: Calderón de la Barca, Tirso de Molina, Lope de Vega, etc…

Pasos:
Se conoce como paso o entremés a una pieza dramática jocosa y de un solo acto, protagonizada por personajes de clases populares, que solía representarse durante el Siglo de Oro español, es decir, a fines del siglo XVI y durante el siglo XVII y XVIII hasta su prohibición en 1780, entre la primera y segunda jornada de una obra mayor. Posteriormente será llamado sainete. En Europa, su equivalente es la farsa, cuya denominación se aplicó en España a cualquier tipo de representación teatral. Muy conocidos son El paso de “La tierra de Jauja” y el paso de “Las aceitunas.

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Ya mucho más contemporáneo encontramos el Teatro Pánico, estilo creado por el español Fernando Arrabal (Melilla 1932) y el chileno Alejandro Jorowsky (Tocopilla 1917).

El nombre se inspira en el del dios Pan, el cual se manifiesta a través de tres elementos básicos: terror, humor y simultaneidad. Pánico: el movimiento debía tener un nombre propio. Algunos estudiosos aseguran que los inventores del término, definieron las relaciones del movimiento con la ciencia, la filosofía, el ajedrez, la confusión y el azar.

Otras manifestaciones contemporáneas son el Happening (del Ingles: evento, suceso, ocurrencia). Y la Perfomance.

 Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamadoperformance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación.
La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los “espectadores”, para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación.
El happening en cuanto a manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.

Performance teatral:
Una performance o acción artística es una muestra escénica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal. Tuvo su auge durante los años noventa.
El arte del performance es aquel en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. La performanceo “acción artística” puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración; una “acción artística” es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre este y el público. El performance se opone a la pintura o la escultura, ya que no es el objeto sino el sujeto el elemento constitutivo de laobra artística.
En Chile destacó el colectivo “La yeguas del apocalipsis” fundado por Pedro Lemebel a comienzos de la década de los ochenta.

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Las yeguas del apocalipsis

VOCABULARIO DRAMÁTICO TEATRAL

ACOTACIÓN: Indicaciones que da el autor para el montaje, aparecen entre paréntesis.
APUNTADOR: En tetaro antiguo era un funcionario que encargaba de susurrale los textos a los actores en los momentos que los olvidaban. Se escondia en la “concha de apuntador” para no ser visto por el público.
APARTE: Texto que, en el tetaro antoguo, decía un actor hacia el público, fingiendo que los otros personajes en el escenario no lo escuchaban.
BAMBALINA:  Cada una de las tiras de lienzo pintado que cuelgan del telar del teatro y completan la decoración. (2) Detrás del escenario durante la representación de un espectáculo, de manera que no se pueda ser visto por el público.
BASTIDOR: Panel de listón y de chapa u otros materiales, que forman parte del decorado o cierra la caja del escenario.
BOCA:  Equivalente a embocadura. Frente al escenario que se abre sobre la sala.
CÁMARA NEGRA:  Conjunto de telones y patas de tela negra u otro color neutro que delimitan la escena.
Corbata: Proscenio. Parte del escenario fuera de la línea de telón.
Candilejas: Luces en el suelo y en la línea de telón. Se suelen componer de colores distintos para ofrecer una “luz compuesta”
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DIRECTOR DE ESCENA: El director de escena es la persona responsable que en el ámbito de las artes escénicas (principalmente teatro y ópera) sea supervisada y dirigida la escenificación de una obra, unificando criterios y conductas de variados esfuerzos y aspectos de la producción, como los decorados, los vestuarios, los efectos especiales, la iluminación, los movimientos de los actores y en ocasiones hasta las coreografías cuando éstas no tienen ya un coreógrafo que se ocupa de ellas.
La función del director es asegurar la calidad y realización del producto teatral. El director trabaja con individuos y con su otro staff, coordinando investigación, tramoya, diseño de ropa, prop, iluminación, actuación, diseño del set, diseño del sonido para la producción. El director puede también trabajar con el dramaturgo mientras se avanza. En el teatro contemporáneo, el director suele ser el visionario, tomando decisiones de los conceptos artísticos e interpretativos del texto.
DRAMATURGO: Es el autor que crea una obra literaria de género dramático para ser representada en el teatro.
DISEÑADOR: Elabora proyectos escénicos innovadores y funcionales (escenografía, iluminación y vestuario), que interpreten las necesidades espaciales y artísticas de los montajes audiovisuales de la industria cultural y de las comunicaciones
ELENCO: Lista de actores que participan en una obra.
ESCENA: División menor de la obra dramática que está delimitada por la entra o salida de un personaje del escenario.
ESCENARIO: Cualquier lugar destinado a la representación de una obra.
ESCENOGRAFÍA: Son todos los elementos visuales que conforman una escenificación, sean corpóreos (decorado, accesorios), la iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería); ya sea la escenificación destinada a representación en vivo (teatro, danza), cinematográfica, audiovisual, expositiva o destinada a otros acontecimientos.
FOCO:: Elemento de iluminación dotado de lentes y diafragma, generalmente de gran potencia. Es el elemento base de la iluminación actual.
FORO: Zona del escenario más alejada del público.
FOSO: en los teatros tradicionales, espacio destinado a la orquesta bajo el proscenio.
MONÓLOGO: Texto que un personaje dice en el escenario en solitario, no dilaoga con otro personaje. Se refiere a temas externos a sus sentimientos o pensamientos. (No confundir con soliloquio).
MUTIS: Uno o mas actores salen en silencio del escenario.
PAPEL: Parte de una obra teatral que representa un artista.
REPARTO: Distribución de los papeles entre los artistas que participan en la obra. En el programa, lista de sus nombres junto a los nombres de los personajes que representan.

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SOLILOQUIO: Texto que dsice el personaje en solitario, como si hablara consigo mismo. Se refiere a sus sentimientos.
TELÓN:  Pieza grande de tela  que cierra el escenario en la embocadura.
TRAMOYA: Toda la maquinaria de un teatro.
TRAMOYISTA: Encargado de la tramoya.
UTILERÍA: Es el conjunto de objetos y enseres que aparecen en escena.1 Son accesorios utilizados por los personajes para interactuar durante una representación artística, o pequeños elementos que complementan la escenografía.
UTILERO: Encargado de la utilería.

Compañía Tetaro y Pan (E.E.U.U.)

ESCUELAS Y ESTILOS TEATRALES

Se reconocen tres escuelas teatrales (modo de entender la finalidad y la ejecución del arte dramático). Estas grandes escuelas son: El teatro realista naturalista de Konstantin Stalislasvki. El teatro épico de Beltort Brech y El teatro de la crueldad de Antonin Artaud.

Teatro realista naturalista
Fue desarrollado por el ruso Konstantin Stanislasvki (1863-1938)
Stanislavski pretendía elevar el nivel del mayormente superficial y chabacano teatro ruso, quería eliminar malos hábitos fuertemente arraigados en los actores y elevar su dignidad profesional. Así que decidió aumentar el
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número de ensayos y reducir el de estrenos, que en algunas compañías llegaban a treinta y cinco en una sola temporada. Para eso desarrolló un método más o menos científico, basado principalmente en el psicoanálisis.
Su método se encuentra, pricipalmente, en sus publicaciones “Un actor se prepara”, “La creación del personaje” y “Mi vida en arte”.
Para Stanislavski, el actor debía actuar con absoluta verdad emocional y transmitir esa emoción al público.

Teatro épico
Escuela planteada por el alemán Beltort Brech (1898-1956).
Promulgaba el compromiso político y abogaba por el teatro de tipo social, comprometido con los problemas de la época. Aunque muchos de los conceptos relacionados con el teatro épico habían existido durante años o incluso siglos, Brecht los unificó, desarrollando y popularizando el estilo. Más tarde, Brecht preferiría el término «teatro dialéctico» para enfatizar el elemento de la argumentación y la discusión.
Si el tetaro de Stanislasvki va dirigido a la emoción, el de Brech de dirige a la razón. Se pretende que el espectador comprenda la problemática social que se plantea y no que se emociones creyendo que lo ve es verdad. Para eso Brech desarrolla el concepto de “Distanciamiento estético” donde los actores rompen la “cuarta pared”(3) y hablan directamente al público. Además su estética es expresionista,(4) justamente para contribuir al distanciamiento.

Teatro de la crueldad

 Es un movimiento teatral muy heterogéneo, inspirado en las ideas del escritor francés Antonin Artaud,(1896-1948) expuestas en su libro el teatro y su doble (1938).
La base en la que se inspira este movimiento teatral es la de sorprender e impresionar a los espectadores, mediante situaciones impactantes e inesperadas. Con esto se pretende dejar una huella en el espectador, que la obra lo marque.

(3)La cuarta pared es un muro imaginario que separa al público del escenario, es propio del teatro realista, donde nunca el actor se dirige al público, sino que actúa como si nadie lo estubiese viendo.
(4) El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios delsiglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas,literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc
El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión .
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Estas vagas ideas han dado lugar a numerosas propuestas muy diferentes entre sí. Algunas tendencias interpretan el teatro de la crueldad como una obra que toque las fibras íntimas del público por el mero deslumbramiento y ritualización del espectáculo teatral, en el cual se explotan al máximo sus posibilidades físicas y visuales.
En este caso se pretende llegar al espíritu, a lo subconciente. Se trata de un rito, donde no hay escenario ni butacas, sino que todo ocurre en un espacio donde están los espectadores y los actores los que guían una ceremonia.
Escena de Tetaro de la Crueldad

Algunas de las manifestaciones de teatro oriental más conocidas

El kabuki (歌舞伎?) es una forma de teatro japonés tradicional que se caracteriza por su drama estilizado y el uso de maquillajes elaborados en los actores.
Los caracteres kanji individuales, leídos de izquierda a derecha, significan cantar (歌 ka), bailar (舞 bu), y habilidad (伎 ki). Frecuentemente se traduce kabuki como “el arte de cantar y bailar”. Existen sin embargo, caracteres ateji que no reflejan la etimologíaactual, y que la palabra kabuki se cree que en realidad está derivada del verbo kabuku, que significa “inclinarse”, o “estar fuera de lo ordinario”, de modo que el significado dekabuki puede ser interpretado también como teatro “experimental” o “extraño”.

El Butoh (se pronuncia butó):
Es una técnica teatral de danza japonesa, creada en 1950 por Kazuo Ohno y Tatsumi Hijikata, que tomó auge luego del fatídico bombardeo de Hiroshima y Nagasaki.

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La práctica de la “Danza Butoh” es una meditación activa que busca reflejar en una coreografía y o ejercicios físicos nuestro mundo creativo. La técnica esta compuesta por acciones simples y naturales que nos dan las nociones del movimiento. Puede ser practicado por todo tipo de personas que deseen mantener una armonía entre su estado físico y su mundo creativo.
”Butoh es más que una estética del este de Asia o algún tipo de lenguaje exhibicionista del cuerpo. Es reflexión del cuerpo acerca del cuerpo. Una confrontación en la infinita lucha entre la inmortal alma y el mortal cuerpo. La danza es un viaje ¿las estaciones están o no están dotadas de conocimiento?. Bailar como vivir son búsquedas hasta el límite del proceso. De todo lo que tiene forma hacia lo sin forma. Los bailarines son cambiantes y nunca pasan una estación en el mismo lugar, siempre se están desplazando ya que la danza misma es un viaje expuesto a una incesante transformación.”
“Me acerque al maestro Hijikata, le pedí que me enseñara y él me respondió: Aprendí que lo que divide al hombre del animal, a la desesperación de la esperanza, es solo un paso, un gesto, una mirada”.

Esecena de teatro Kabuki

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